Controversia en la fotografía

Recientemente hemos hablado de fotografías controversiales que han generado cierto revuelo en el ambiente. Siempre ocurre esto porque parece que los seres humanos todavía nos resistimos a la verdad dicha sin ningún tipo de preámbulo, preferimos la mentira o las verdades a medias, no nos gusta encontrarnos con lo crudo o lo grotesco, sin embargo eso también forma parte de nuestra vida, aunque lo evitemos.

Ayer me pasaron un vídeo sumamente interesante sobre una muestra de fotografía de la última vanguardia. Se trata de una exposición itinerante que recorre el mundo mostrando fuertes imágenes de los más distinguidos fotógrafos de nuestra era y dirigida por Antonio López Giménez.
Imágenes grotescas para entender la realidad

En esta muestra pueden verse imágenes grotescas, cuerpos desnudos y colores que invitan a la reflexión o a la repulsión; podría entenderse como una mirada crítica sobre la realidad, a nuestra sociedad que destruye la naturaleza (cuerpos de animales con rostros humanos), a la soledad en su sentido más amplio (siameses en una bañera con una tristeza profunda en el rostro) y a la violencia (retratos de cabezas que han sido despegadas del cuerpo).

Pese al carácter burdo y hasta primitivo de ciertas instantáneas, creo que para muchos puede ser una forma interesante de comprender la realidad. Personalmente no entiendo este tipo de fotografía burlesca, me genera cierto rechazo y en verdad prefiero captar la realidad desde otro ángulo, pero de todas formas me resulta interesante que tenga su espacio y que sea divulgada como una forma diferente de entender el arte.

LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

“Fijación fotoquímica, mediante un mosaico irregular de granos de plata y sobre una superficie-soporte, de signos icónicos estáticos que reproducen en escala, perspectiva y gama cromática variables las apariencias òpticas contenidas en espacios encuadrados por el objetivo de la cámara, y desde el punto de vista de tal objetivo, durante el tiempo que dura la abertura del obturador”

Román Gubern

Una fotografía es una fracción de tiempo congelado… tiene el poder de describir la creación o simplemente resaltar una ínfima porción del todo, puede expresar cualquier intención o desinterés.

Miradas paralelas. La fotografía realista en Italia y España

Miradas paralelas. La fotografía realista en Italia y España presenta una

amplia visión del panorama de la creación fotográfica en España e Italia a

partir de la postguerra y hasta finales de los años sesenta. Las fotografías

que el MNAC ha reunido en esta exposición guían al visitante en un viaje

desde el campo a la ciudad y cuentan la historia aún reciente del

desarrollo industrial, la pobreza, la emigración y también de la llegada de

las primeras libertades.

Miradas paralelas. La fotografía realista en Italia y España desvela las

posibles afinidades y también las confrontaciones, tanto éticas como estéticas,

de la creación fotográfica en ambos países, sumergidos en sentimientos

similares y en una realidad social, aunque no así política, también parecida. Es

desde esta óptica que la exposición se plantea como una historia de imágenes

de una época y no como una historia de autores.2

La exposición reúne 240 fotografías de 46 fotógrafos, 19 de ellos italianos y 27

españoles. De las obras que presenta la exposición, 44 pertenecen a las

colecciones del MNAC y representan a 11 fotógrafos catalanes.

Con un estilo en el que el relato cinematográfico y el reportaje se mezclan, las

fotografías que presenta el MNAC en esta exposición reflejan lo cotidiano, los

trabajos, la escuela, los juegos infantiles, la emigración, el crecimiento

desordenado de las ciudades, el barraquismo, y también la llegada del turismo

y las primeras libertades. Explican, en definitiva, el abandono del campo y el

desarrollo industrial.

Como una historia en imágenes de esa época, la selección de obras y autores

que propone la muestra no es exhaustiva, sino que pretende responder a la

definición que del neorrealismo hizo Cesare Zavattini: «El neorrealismo no es

nada, sólo una idea, un punto de vista, una actitud moral.»

El neorrealismo, que tuvo una gran influencia en la creación fotográfica y

cinematográfica, nació y arraigó con fuerza en Italia, cuando este país estaba

inmerso en un período negro, tras la Segunda Guerra Mundial. El movimiento

neorrealista denuncia la pobreza, el paro y la situación de la mujer y de la

infancia para despertar la conciencia social.

En España, durante el mismo periodo, la realidad social era extremadamente

dura pero quedaba escondida por la tutela que ejercía el régimen dictatorial

sobre la producción fotográfica. La fotografía artística dependía casi

exclusivamente de las agrupaciones fotográficas y estaba, por lo tanto, en

manos de aficionados que recuperaban la estética conservadora de antes de la

guerra y realizaban retratos, bodegones y paisajes espectaculares,

estrechamente relacionados con la estética pictórica. A pesar de esto, gracias a

la influencia del cine neorrealista italiano, pronto despuntaron los primeros

fotógrafos que transgredieron estas normas, y comenzó a arraigar una nueva

forma de ver el mundo que se plasmó en el cine y también en la fotografía.